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Sophie Barthes es una cineasta franco-estadounidense. Su debut como directora, “Cold Souls”, fue estrenada por Samuel Goldwyn y presentada en competencia en el Festival de Cine de Sundance. Su segundo largometraje, “Madame Bovary”, se estrenó en 2015 después de su estreno en Telluride.

“The Pod Generation” se proyectará en el Festival de Cine de Sundance 2023, que se realizará del 19 al 29 de enero.

W&H: Descríbanos la película con sus propias palabras.

SB: “The Pod Generation” es una sátira humanista surrealista que invita a la reflexión sobre una sociedad locamente enamorada de la tecnología. Ambientada en un futuro no muy lejano, mi objetivo con esta película es plantear preguntas sobre nuestra relación con la tecnología y las posibles consecuencias de su intrusión no regulada en nuestra intimidad.

Esta es la historia de una pareja y la gestación de su bebé en un útero artificial. El tono es lúdico y satírico con incursiones en emociones profundas y complejas en torno a la paternidad.

W&H: ¿Qué le atrajo de esta historia?

SB: Tengo un diario de sueños y cuando esperaba a mi hija escribí todos los sueños increíblemente extraños que tuve durante mi embarazo. Los sueños eran tan vívidos, poéticos e inquietantes que quise ponerlos en una película.

También me influyó mucho “Brave New World”. Lo leí cuando era preadolescente y el libro tuvo un profundo efecto en mí. Me encanta la ciencia ficción como género y todas las posibles cuestiones filosóficas que plantea. Pero extrañamente en el cine, el género de ciencia ficción está muy dominado por los hombres. Me interesa explorar la “ciencia ficción femenina” en la pantalla. No estoy seguro de cómo definirlo con precisión, pero espero que cuando veas la película entiendas lo que quiero decir.

No necesita seguir todos los tropos de las películas clásicas de ciencia ficción: guerra interplanetaria, extraterrestres, viajes en el tiempo, universos paralelos, monstruos. Creo que se puede crear ciencia ficción con temas y problemas con los que nos podemos relacionar, casi parte de nuestra vida diaria, pero darle un giro que la convierta en ciencia ficción. Es el escenario de “¿Qué pasaría si…”. ¿Y si los bebés pudieran gestarse en vainas? ¿Cuáles serían las implicaciones para nosotros los humanos? También me atrae mucho la idea de la mercantilización de todo. En mi primera película se podían extraer almas humanas y almacenarlas para aliviarnos de nuestra carga existencial. En esta película, la “solución ultra” para las madres es el útero artificial. Pero, ¿es realmente la solución?

W&H: ¿En qué quiere que piense la gente después de ver la película?

SB: En primer lugar, me encantaría que el público “sintiera” algo por la película y luego ¡pensara! Creo que la belleza de presentar una película a una audiencia es que cada miembro de la audiencia es único, por lo que cada reacción es siempre personal y única. Las películas funcionan como espejos: proyectamos una parte de nosotros mismos en la película. No es una relación unidireccional. Creo que una película trata de transmitir ideas, una experiencia estética, emociones, etc., pero los miembros del público también proyectan su propia experiencia de vida en la película.

Solo espero que esta película haga reír a la audiencia en ocasiones, ya que es una sátira, y también piense en su relación con la tecnología hoy: ¿es una relación saludable? ¿Parece desquiciado? ¿Por qué nos seduce tanto la tecnología? ¿Qué dice sobre nosotros como especie? También espero que ayude a las mujeres a sentir que no existe una “madre perfecta” y que está bien ser la madre “suficientemente buena”, como dijo el pediatra británico Donald Winnicott. Mi sensación es que no existe una “solución ultra”.

W&H: ¿Cuál fue el mayor desafío al hacer la película?

SB: Conseguir la financiación fue un calvario. Quería filmar en Nueva York, pero todos en los EE. UU. vieron este proyecto como demasiado arriesgado. Es una película visualmente ambiciosa. No podría hacerlo por un bajo presupuesto. Cuando comprendí que no conseguiría financiación en Estados Unidos busqué financiación en Europa e hice la película como una coproducción europea. Creo que ha sido 4 años en la fabricación!

W&H: ¿Cómo consiguió la financiación de su película?

SB: La película se realizó de forma independiente como una coproducción europea, que siempre es una combinación de ventas en el extranjero, dinero blando, fondos regionales, crédito fiscal o refugio fiscal, capital y algún tipo de financiación.

W&H: ¿Qué te inspiró a convertirte en cineasta?

SB: Cuando vi por primera vez “La rosa púrpura de El Cairo” de Woody Allen cuando era niño en una sala de cine, me quedé completamente impresionado y ese sentimiento siempre se quedó conmigo. Mis padres eran cinéfilos y, como buenos padres franceses, nunca censuraron realmente las películas que podíamos ver. Así que desde muy temprano recuerdo ver películas de Bergman, Godard, Kubrick, westerns, Chaplin, Fellini, etc.

Nunca me permitieron ver dibujos animados o películas de Disney cuando era niño. Mi madre siempre pensó que los niños deberían tener acceso a elevar la cultura, incluso si no podían comprender todo, algo se pegaría. Estoy muy agradecido con ella hoy.

W&H: ¿Cuál es el mejor y el peor consejo que ha recibido?

SB: El mejor consejo fue de mi marido, Andrij Parekh, que resulta ser un director de fotografía muy talentoso: nunca dejar de hacer cine. incluso cuando fue muy difícil en cuanto a su carrera y, a veces, desgarrador. Recuerdo que me dijo: “Bueno, si te rindes ahora, simplemente te habrías dado por vencido”.

¡El peor consejo que recibí fue probablemente de mí mismo! No confiar en mis instintos o dudar demasiado. ¡Creo que a veces podemos ser nuestros peores enemigos!

W&H: ¿Qué consejo tiene para otras directoras?

SB: ¡Somos muy afortunados de que este sea el momento para las directoras! Cuando empecé hace 14 años era mucho más difícil. Creo que es un momento maravilloso para ser una directora porque el público está abierto a películas e historias dirigidas por mujeres que tienen cosas interesantes que decir y explorar sobre las mujeres. ¡Así que aprovecha el momento!

Creo que mi consejo sería el mismo que recibí una vez: si esta es tu verdadera pasión, nunca te rindas. Es como navegar: habrá aguas turbulentas y tormentas, pero cuando la navegación es tranquila, es la profesión más emocionante con la que puedas soñar. Es una profesión tan compleja como interesante.

W&H: Nombre su película favorita dirigida por mujeres y por qué.

SB: Me encanta “Cléo from 5 to 7” de Agnès Varda. Es el retrato más poético, desgarrador, estético y conmovedor de una mujer que pasa dos horas caminando por París esperando el resultado de una biopsia. Se trata de una mujer que se enfrenta a su vulnerabilidad y mortalidad, pero también es una oda a la vida. La película tiene una gran sensibilidad femenina. Y me encanta que casi se siente como un documental. La cinematografía es simple pero hermosa. Es una lección de cine.

W&H: ¿Qué responsabilidades, si las hay, cree que tienen los narradores para enfrentar el tumulto en el mundo, desde la pandemia hasta la pérdida del derecho al aborto y la violencia sistémica?

SB: Como cineastas, es nuestro deber confrontar cuestiones políticas significativas y plantear preguntas. Personalmente, no entiendo el cine como mero entretenimiento. Creo que las películas tienen el deber de decir algo significativo sobre la humanidad. Se puede hacer a través de la comedia, la sátira, todo tipo de géneros. No quiero decir que las películas tengan que ser “serias”, pero necesitan decir algo interesante. Las películas no deben ser conferencias y mensajes de martillo, sino que deben explorar temas y emociones que abren la discusión y nos hacen comprender un poco mejor la condición humana.

W&H: La industria del cine tiene una larga historia de subrepresentar a las personas de color en la pantalla y detrás de escena y de reforzar, y crear, estereotipos negativos. ¿Qué acciones crees que se deben tomar para que Hollywood y/o el mundo del documental sean más inclusivos?

SB: Creo que, como directores, debemos elegir un elenco tan racialmente diverso como sea posible para que el público vea en la pantalla un mundo que refleje la realidad que nos rodea, no una construcción que sea completamente blanca.

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